從零到無限｜重啟鹽城藝術坐標，ZERO精神的再度共振
《從零到無限》
2025.05.13-2025.06.22
江蘇省鹽城市美術館 3/4/5 號展廳
策展人：沈凌昊、徐怡琛
藝術家：高入云、高郁韜、Han Lee、
John·Roloff、劉建華、林科、覺然、
龍盼、沈凌昊、邵譯農、王恩來、
吳逸飛、楊熹、張翀
學術支持：雨卓
本次鹽城市美術館展覽《從零到無限》由沈凌昊與徐怡琛共同策展，延續(xù)德國先鋒藝術團體零小組（ZERO Group）所開創(chuàng)的實驗精神，聚焦其去中心化的藝術理想與對感知、材料、技術的多重探索。展覽以“從零出發(fā)”為核心理念，試圖重新激發(fā)當代藝術的創(chuàng)造潛能，并引導觀眾在“去人類中心主義”的語境下，重新審視人與自然、技術與生態(tài)之間的表達方式與倫理關系。
此次展覽匯聚了來自中國、美國、法國、韓國的14位當代藝術家，呈現了32件聚焦動態(tài)、光學、生物、科技與新材料等多維度的場域特定藝術作品。這些作品不僅回應了零小組（ZERO Group）重設藝術與現實關系的思考路徑，也映照了當代社會面臨的多重挑戰(zhàn)。藝術家們在作品中打破人類與非人類生命形式的界限，借由多元媒介與感官聯動，探索自然與科技的共生關系，在光與物質、時間與感知之間建構出新的敘事路徑。每件作品都仿佛一段“生成中的語句”，持續(xù)回應著我們所處的技術社會與生態(tài)系統(tǒng)。
本次展覽繼2024年于上海首發(fā)亮相后，作為其重要巡展篇章在鹽城市美術館全新呈現。展覽在延續(xù)“從零到無限”策展邏輯的同時，結合鹽城市美術館的空間特質與地方語境，納入多件新作與在地回應，形成一場更具張力的結構重組與觀念延展。展覽不再是靜態(tài)陳列，而是一場流動中的生成過程——對未知的探測，對邊界的突破，對感知方式的重新編程。
正如德國先鋒藝術家、零小組（ZERO Group）共同創(chuàng)始人奧托·皮內（Otto Piene）所言：“一片寂靜之地，充滿著全新開始的純粹可能性?！边@句話不僅回望了歷史，也成為我們再次出發(fā)的注腳。將“零”作為起點，是我們持續(xù)實踐的核心命題。在全球藝術生態(tài)劇烈變動的當下，我們希望通過“從零到無限”的不斷延展，邀請更多具有實驗精神與時代意識的藝術家，拓展跨文化、跨學科的對話網絡，攜手構建一個開放、流動、共生的未來藝術生態(tài)。
文/ 沈凌昊 & 徐怡琛
在當代藝術日益被市場與流量裹挾的語境下，展覽《從零到無限》以一場跨越時空的對話，重新激活了德國零小組（ZERO Group）藝術團體的先鋒基因——“清零、重啟與實驗”的勇氣。這場由策展人沈凌昊與徐怡琛共同發(fā)起的展覽，不僅是對戰(zhàn)后歐洲先鋒藝術精神的致敬，更是一場面向未來的追問：藝術如何以“零”為起點，在技術、生態(tài)和去中心化的交織中，編織出無限的可能？當展覽從上海巡至鹽城，它所承載的不僅是作品的物理位移與更新，還是一種觀念火種的播撒，一次對地方藝術生態(tài)的拓展，以及主創(chuàng)人員從策展人、創(chuàng)作者到生態(tài)構建者的身份蛻變的嘗試。
從上海到鹽城再到未來，《從零到無限》的巡回軌跡，恰似ZERO精神的當代靈韻——藝術的價值不在于抵達終點，而在于不斷重啟的勇氣。本次巡展既是對ZERO Group“實驗性”、“事件性”與“生態(tài)性”的延續(xù)，亦是對中國當代藝術拓展路徑的回應——藝術仍能作為思想的載體、社群的紐帶與未來的預言。鹽城站的開拓，或許正是下一個“零”的起點。正如展覽標題所暗示的：“從零到無限”并非線性躍進，而是無數個“此刻”的共振——在每一次清零中，孕育出重生的可能。
文/雨卓 節(jié)選自《從零到無限：實驗精神的跨域共振與藝術生態(tài)的拓展敘事》
01
光與動勢：零的起源與光學夢境Light and Dynamics
零小組（ZERO Group）是最早以“光”為創(chuàng)作媒介的創(chuàng)作集體，他們的實踐構成了光學與動態(tài)藝術的重要開端。
在零小組（ZERO Group）的早期藝術實踐中，光與運動構成了他們顛覆傳統(tǒng)藝術形式的突破口。他們讓光成為空間的雕塑、感知的機制、時間的見證，從而開啟一場關于“注視”與“回視”的革命。延續(xù)這一探索方向，今天的藝術家們不再將光視為圖像的附屬，而是重新構建光與身體、節(jié)奏、現場之間的關系。他們在光學裝置、動態(tài)結構與介質轉換中，持續(xù)推動感知的邊界，使展覽空間成為光與動勢生成的劇場。
《Approaching 24-1》，運動裝置，尺寸可變，2025，高入云
《Approaching 24-1》（作品細節(jié)）
高入云的《Approaching 24-1》是一件以可編程機械系統(tǒng)驅動的運動裝置，由多個緩慢旋轉的構件與幾乎隱形的線性系統(tǒng)構成，作品以最小的物理變化制造出持續(xù)張力，既不訴諸敘事，也不導向功能，而是讓觀看成為一場被動卷入的過程——一種由力場、節(jié)奏與觀者身體知覺共同構成的沉思通道。
《吧凳 | 鋼尺與G字夾》，鋼尺，尺寸可變，2017，王恩來
《鋼尺 | G字夾與吧凳》（作品細節(jié)）
而在《鋼尺 | G字夾與吧凳》中，鋼尺則被強行彎折并固定，構成一個臨時卻危險的支架結構。這些作品在最小的形式變化中揭示出隱藏于標準、控制與現實物理之間的張力結構，使我們直面不可見卻真實的力量流動。
《鋼尺與G字夾》，鋼尺，G字夾，掛架，尺寸可變，2017， 王恩來
《鋼尺與G字夾》（作品細節(jié)）
王恩來的《鋼尺與G字夾》圍繞“尺度”這一主題展開，通過最基礎的測量工具構建出關于規(guī)則、臨界與結構的視覺語言。數根鋼尺被首尾夾接成環(huán)，懸掛后自然下垂，產生一種維持在張力邊緣的力學均衡狀態(tài)。
《跡象》，陶瓷，尺寸可變，2011，劉建華
劉建華的《跡象》延續(xù)其“無意義、無內容”的思辨脈絡。陶瓷墨跡如同凝固的思想流跡，其靜謐的張力與場域的呼吸相互滲透，喚起觀者內心對于時間沉積與記憶碎片的感知。
《The Interpreter#2》，新媒體裝置（燈光，數控設備，木材），120x120x35cm，2024，Han Lee
Han Lee的《The Interpreter #2》以復古電視造型與8×8燈光矩陣構成一個語言—符號裝置，觀眾面對一個閃爍著未知信息的光點界面，在不確定中被迫減緩觀看節(jié)奏，重新調動注意與想象。作品在“暫?！迸c“凝視”之間構建出一個思維的延時場，使觀看成為一種感知秩序的重構。
《綠幕 - 我是你的影子也是你》，場域特定裝置（特殊光敏樹脂、聚乙烯合成板、數控光源），尺寸可變，2023，沈凌昊
《綠幕 - 我是你的影子，也是你》觀眾交互現場
沈凌昊的《綠幕 - 我是你的影子，也是你》是一件結合光學技術與現場體驗的感光藝術裝置。觀眾在光源周期性的律動中，隨自身在綠幕前的站位與動作變化生成短暫空間顯影，將光與影的關系具象化為存在的“時間回聲”，攝影在此成為一種空間行為與身體的記憶場。
02
技術與藝術：進步與焦慮的交織敘事Technology and Art
在戰(zhàn)后廢墟中，零小組（ZERO Group）重新賦予科技以感知性與詩意，為藝術開辟了通向未來的路徑。
零小組（ZERO Group）的藝術家曾在二戰(zhàn)后嘗試從技術的廢墟中重建精神空間。他們既反思現代性的崩塌，也試圖將科技納入藝術語言中。在今天，技術更深地嵌入我們的知覺系統(tǒng)和現實結構，藝術家們以算法、移動設備、人工智能為媒介，不是為了追趕技術的速度，而是質詢其背后的邏輯，打破“進步”迷思。他們在誤讀、延時、錯位、失控中重新發(fā)現技術的詩學，喚起觀看者對感知秩序的反思。
《林科作品PPT聯播》，視頻，2010-2025，林科
林科的《林科作品PPT聯播》是一部跨越15年的視頻拼貼，藝術家將自身記錄的行為影像直覺性地嵌入各類展覽空間照片之中，模擬出一種“偽安裝圖”的觀看錯覺。本次展覽中特別為其作品設置了一張電腦桌與一臺獨立電腦，觀眾可坐下進入這段私密又幽默的雙重視角現場——仿佛置身藝術家與電腦共同創(chuàng)作的即時語境中，也在觀看過程中成為畫面的一部分。
《對白系列：春江花月夜》，影像，2020，高郁韜
高郁韜的《對白系列：定風波》與《對白系列：春江花月夜》將古典詩詞嵌入人機對話場景，通過Siri的參與建立起一套延時的數字吟誦儀式。藝術家持續(xù)探索人類語言與機器語義之間的轉換縫隙，使古典詩意在技術邏輯中變形、延宕，并由此生成一種嵌入時間裂縫的“感知詩學”。在另一件作品《水調歌頭·明月幾時有》中，藝術家將蘇軾的千古名句置于游樂場“大擺錘”的極端體驗之中。在劇烈搖擺與尖叫中誦讀古詞，將身體的驚懼與詩意的清冷并置，使這首傳世之作獲得了一種感官斷裂與幽默悖論的雙重張力。
《日常史詩》，視頻裝置 (慢動作視頻、iPhone 手機)，尺寸可變，2013-2017，沈凌昊
《日常史詩》，視頻裝置 (慢動作視頻、iPhone 手機)，尺寸可變，2013-2017，沈凌昊
沈凌昊的《日常史詩》是一件持續(xù)進行中的影像計劃，始于2013年。藝術家以iPhone的“慢動作攝影”功能持續(xù)記錄日常生活中那些被忽略的微妙瞬間，將技術轉化為感知時間的器官。作品以多部手機構成低光環(huán)境下的循環(huán)影像場域，日常的光影被拉長、變慢，仿佛現實自身正在被“反芻”。每一次觀看都是一次與記憶交錯的慢動作穿行，也是對日常本身詩意結構的重新編輯。
《共生》，現成品，3D打印光敏聚合物，2023，吳逸飛
《共生》（作品細節(jié)）
《共生》（作品細節(jié)）
吳逸飛的《共生》系列將90年代的電子器物與3D打印生成的“無機植物”融合在一起，構建出一種介于器械與生命之間的混合形態(tài)。這些被重新組合的物件——紅磚、縫紉機、船燈與老舊收音機——如同時間的遺骸，被注入仿生結構后獲得新的“器官”，在技術與記憶、未來與遺忘之間生成一種脆弱的聯系，回望過去的同時也凝視技術未來的邊界。
03
生態(tài)的低語：自然的隱喻與藝術的回應 The Whisper of Ecology
零小組（ZERO Group）認為自然并不是藝術的背景，而是能動的共創(chuàng)者與敘述者。
零小組（ZERO Group）的藝術感知譜系中，自然既不是靜態(tài)的風景，也不是等待解析的科學對象，而是一種被喚起的能量結構。他們將自然從被動的背景中喚起，使其成為藝術發(fā)生的內在驅動力。今天的藝術家延續(xù)這一思路，不再以再現自然為目的，而是將其視為具有主動性的參與者。通過與植物、生物性材料、生態(tài)系統(tǒng)的協作，他們展開一種基于共生、流動與變異的敘事結構。自然被還原為一個行動者，重新獲得其感知能力與敘事主權。
《植物冶金計劃——龍崗低碳城及周邊》，陶瓷，植物灰釉，金屬，亞克力，鋼絲繩，尺寸可變，2022，龍盼
《植物冶金計劃——龍崗低碳城及周邊》(作品細節(jié)）
龍盼的《植物冶金計劃——龍崗低碳城及周邊》以植物從土壤中吸收金屬元素并轉化為釉色的過程為線索，將原本不可見的地質與環(huán)境信息轉譯為可感的色彩肌理。不同植物在不同地塊中呈現出的釉色差異，勾勒出一張關于地貌記憶與生態(tài)負載的“植物礦圖”，也是一種來自植物的輕聲低語。它們以自身的代謝過程記錄著環(huán)境的劇烈變化與土地污染的沉積，在輕盈的美學中喚起觀眾對生態(tài)的深層體認。
《流動的身體》，菌絲雕塑 & 影像，尺寸可變，2025，龍盼
《流動的身體—上半身》，菌絲雕塑 & 影像，尺寸可變，2025，龍盼
《流動的身體——菌絲手臂｜上半身｜下半身｜足部｜手部》（作品細節(jié)）
龍盼的《流動的身體》系列雕塑作品以自身身體為模具，讓真菌在其表面生長，逐漸形成一個新的形體。菌絲沿著身體的輪廓自由擴展，構建出一個既像“我”又異于“我”的存在。這些由自然生成的身體，打破了個體與他者之間的界限，也讓我們重新思考：一個身體，究竟屬于誰？作品在微觀的生長中觸及親密、邊界與身份的議題，也讓生命的“流動性”成為一次可見的藝術實踐。
《獻給我們已經失去的和即將失去的...》，木，金屬，金箔，樹脂，漆，4.5x19.4x31.7cm(主體)， 49x49x88cm( 展臺），2023，張翀
《獻給我們已經失去的和即將失去的...》（作品細節(jié)）
《獻給我們已經失去的和即將失去的...》（作品細節(jié)）
張翀以冷峻、克制的方式構建紀念場域，將骨骼、金屬、玻璃與記憶性材料拼組成一種近乎無聲的“歷史檔案”。在《獻給我們已經失去的和即將失去的...》中，渡渡鳥的滅絕不僅象征生態(tài)的終結，更隱喻人類對失去總是后知后覺的悔意。它是一座悼念臺，也是一面冷靜的鏡子。
《殺死一只知更鳥》，玻璃，樹脂模型，金屬，透明樹脂，模型土，木，金箔，漆，10.3x22x22.5cm，2024，張翀
《殺死一只知更鳥》則延續(xù)了對暴力與符號政治的反思，回應了Christian Marclay的作品《Guitar Drag》與小詹姆斯·伯德事件，將知更鳥從文學的道德象征轉化為權力機制下的受害者。藝術家將物件的破壞性與美學語法并置，使兩件作品構成一組關于“制度性失語”的雙聯畫。
《三體植物》，新媒體裝置（植物，不銹鋼球，生物數據傳感器，電容傳感器，電腦，揚聲器，放大器，屏蔽線），尺寸可變，2024，覺然
《三體植物》（作品細節(jié)）
覺然的《三體植物》將植物轉化為可演奏的樂器。觀眾通過觸碰不銹鋼球體，隨機觸發(fā)語言與噪音的組合，聲音的和諧或混亂由此生成，模擬出如“行星運行”般復雜的生態(tài)邏輯。植物不再是靜止的觀看對象，而成為能發(fā)聲、能回應、甚至能失控的非人生命體，在偶發(fā)與演奏中介入現實。
《覺醒》，新媒體裝置（金屬彈簧，振動發(fā)生器，橡木板，植物生物數據傳感器，定制貼片，微控制器，電線，仙人掌 ），尺寸可變，2024，覺然
《覺醒》(作品細節(jié)）
在覺然的另一件作品《覺醒》中，觀眾站立于被仙人掌數據控制的振動裝置之上，身體接收來自植物微妙卻真實的回應。這種震動并非語言，卻是一種深層次的“感受”——你注視它，它震顫回應你。人和植物之間建立起一種超越言語的聯結，仿佛久違的共鳴被重新喚起。在這里，技術成為自然的譯者，而身體成為理解自然的一種媒介。
04
非人類的視角：回溯時間深處的存在之歌Perspectives Beyond the Human
零小組（ZERO Group）以“零點”重新設定時間感知，使藝術成為連接地質、生命與未來想象的生成入口。
零小組（ZERO Group）將“零點”視為一切的開端與重生，而這一主題通過非人類視角延展至時間的流動性。揭示那些超越人類感知的緩慢節(jié)奏與深層變遷。在這里，時間不再是線性的刻度，而是自然秩序中動態(tài)平衡的詩意回響，連接著過去、現在與未來。三位藝術家從“百年生命”“千萬年地質”到“未來生體”的多重尺度展開，使我們意識到：人類只是更大時間維度中的一瞬，而藝術，或許正是連接這些時間斷層的一種方式。
《百年之夢》，空間裝置，煙熏，尺寸可變，2024，邵譯農
《百年之夢》，空間裝置，煙熏，尺寸可變，2024，邵譯農
《百年之夢》(作品細節(jié)）
邵譯農的《百年之夢》如同一則靜默的寓言：艾草與火焰在墻面留下的灼痕，既是儀式的痕跡，也像是對生命有限性的一次注解。本次鹽城版本特別依據本月的星象圖展開，以星象中隱含的運行節(jié)奏回應歷史與命運的循環(huán)結構。在這“燃燒過的痕跡”中，百年如夢，個人、時代與信仰被壓縮進一面白墻之上，時間在其中以痕跡的方式沉淀。
《火焰/花朵橫斷 II》，人造纖維，UV 打印，100x240 cm (每面 )，John Roloff
John Roloff 的《火焰／花朵橫斷 II》則將我們帶入一種地質尺度的“植物意識”之中。他用蘭花圖譜、綠色火焰與地層剖面編織出一張關于地球內部循環(huán)的視覺地圖，作品仿佛來自一個擁有億萬年記憶的行星意識，提醒我們在自身所處的短暫時空之外，還有緩慢而恒久的生命過程在持續(xù)運行。
《沒有器官的身體》，鹿骨粉，樹脂，清漆，50x53x60cm，40x30x80cm，60x40x33cm，2024，楊熹
《沒有器官的身體》(作品細節(jié)）
楊熹的《沒有器官的身體》則面向未來，在去器官化的身體結構中構想一種后人類生體的存在方式。這些由骨粉和樹脂制成的形體模糊了“人”的定義——它們沒有臟器，卻依舊充滿潛能，像是一種等待被激活的新生命模型，暗示著在未來社會中，生物性或許不再受限于傳統(tǒng)的人體結構。
在零小組（ZERO Group）的藝術公式：0 x 0 = 藝術
如同ZERO小組曾提出的公式“0 x 0 = 藝術”，《從零到無限》不僅是一次展覽，更是一種生成結構——它將時間、材料、身體與觀念共同編織為一個不斷變化的系統(tǒng)。
《從零到無限》展覽現場
在《從零到無限》中，“0 x 0 = 藝術” 不僅僅是對零小組（Zero Group）的致敬，也是一次新的實驗與呈現。在鹽城市美術館的現場，每一件作品都是一個“零點”——它不是終點，而是無限的入口。藝術不再是表達結果，而是一次又一次重新開始的動作：在未知中生成，在共振中前行。
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